vorausgesetzt. Kunst/Pädagogik und ihre Bedingungen versammelt internationale Positionen zeitgenössischer, künstlerisch-edukativer Praxis. Hierbei stehen verschiedene institutionelle Rahmungen, ob durch Schule, Museum oder Bildungspolitik im Fokus. Möglichkeiten der kritischen Stellungnahme und der konstruktiven Veränderung mit künstlerischen oder kunstpädagogischen Mitteln, beispielsweise in Form von Lecture-Performances, werden dargestellt. Anschlüsse an Themen der Ethnographie oder der sexuellen Bildung zeigen neue, interdisziplinäre Perspektiven auf. Die Publikation wirft die Fragen auf, unter welchen Voraussetzungen die beschriebenen Perspektiven von Lehrer_innen, Forscher_innen, Künstler_innen möglich werden, aber auch, welche sie selbst hervorbringen. Unter welchen Voraussetzungen ist also zeitgemäße Kunstvermittlung machbar? Welche Komfortzonen gilt es zu verlassen? Welche Erfahrungen macht man dabei? Was davon lässt sich an andere Orte, in zukünftige Praxis übersetzen? Welche theoretischen Ansätze sind hierfür weiter zu entwickeln? Wie lassen sich die Bedingungen für anspruchsvolle, engagierte Kunstpädagogik und -vermittlung verbessern? Mit Beiträgen von Angelika Beck, Sojn Boothroyd, Ana Dimke, Danja Erni, Simon Harder, Ellen Kobe, Anja Kraus, Nanna Lüth, Christoph Prasch, Deniz Sözen, Eva Sturm, Wiebke Trunk

Rudolf Polanszky, geb. 1951, ist ein ungewöhnlicher, unkonformistischer Künstler, der Zeit seines Lebens eigene Wege ging und die sogenannten Kunstkenner und Kunstkritiker stets ad absurdum führte. Er gehörte mit in die Gruppe der österreichischen Aktionisten der 60er und 70er Jahre. Seine Ansichten und Aussagen haben mich veranlasst, ein mehrstündiges Interview als Grundlage für den Text des Buches zu verwenden und dies in seiner eigenen Ausdrucksweise. Als Fotograf haben mich vor allem seine Vielseitigkeit im Ausdruck, aber auch das gesamte Ambiente, in dem er lebt und arbeitet, beeindruckt. Dadurch entstand im Laufe von mehreren Besuchen der Entschluss, noch rechtzeitig zur Eröffnung seiner Ausstellung in der Wiener Secession, sein Leben in diesem Buch darzustellen. Der Titel des Buchs - Lost & Found - entstand auf Grund einer Aussage Polanszkys, der zufolge er nur "freies" Material verarbeitet. So z.B. sein ein Stück Blech ursprünglich ja für einen bestimmt Zweck erzeugt worden. Wird dieses weggeworfen, ist es sozusagen befreit von der ursprünglichen Absicht. Und daraus kann dann eben - seine - Kunst entstehen. Es ist ein interessantes Bilderbuch in moderner Gestaltung, das sowohl ihn, seine Frau, seine Umgebung und einen großen Querschnitt seines künstlerischen Schaffens zeigt, ergänzt durch seine originellen, schonungslosen Aussagen. Der Eingangstext seines Freundes Benedikt Ledebur zeigt weitere Facetten seiner Persönlichkeit.

How I Felt Christine Birkle von Hut up in Berlin schuf ein außergewöhnliches Modelabel. Leichte und feinste Kleidungsstücke hergestellt in einer eigens entwickelten Filztechnik, kombiniert mit Seide, Satin und feinster Merinowolle ohne Naht stellt in der Modewelt eine Ausnahmeerscheinung dar. Ihr Modelabel Hut up hat über die Grenzen Europas bis nach Japan Anerkennung gefunden. Ihre langjährige Zusammenarbeit mit der Choreographin Sasha Waltz für das Kostümbild z.B. der Stücke, Matsukaze, Impromptus, Dido und Aeneas oder Medea zeugen von ihrer enormen Kreativität, die bis zu ihrem Tode ungebrochen war. Felt Up ist die erste Monografie, gestaltet von Rimini Berlin, herausgegeben von Johannes Kochs.

unauflösbaren Widersprüche des Lebens sichtbar und lädt zu einem sinnlichen und gedanklichen Spiel mit den Möglichkeiten der Veränderung ein." Bettina Schönfelder "Family Affairs" erscheint als zweite monographische Publikation der Künstlerin Anja Ciupka anlässlich der gleichnamigen Einzelausstellung im Kunstverein Pforzheim und zeigt Arbeiten aus den Jahren 2009 bis 2018. Die Texte stammen von Bettina Schönfelder, Dr. Barbara J. Scheuermann und Anne Schloen. Herausgeber ist der Kunstverein Pforzheim.

For more than four decades, Elaine Reichek has been working on a critical and feminist reading of historical texts and images. The analytical engagement with narratives from myth and literature, and the reflection on their social function as a medium of cultural cohesion, runs through the artist’s oeuvre like the thread that Ariadne gave to Theseus, so that he would find his way out of the Minotaur’s labyrinth. In the last years her works are exploring the figures of the “Minoan girls” and the stories of lust, seduction, cruelty, and betrayal associated with them: Europa, Pasiphaë, Phaedra, and Ariadne. Although their tragic fates are key to the narratives in which they appear, they are often seen as supporting characters; the heroes are invariably men. Reichek, by contrast, puts the spotlight on the women, examining their complex characters by compiling different interpretations and depictions, and assembling eclectic arrangements of elements from visual art and literature to break through overly narrow constructions: in the artist’s hands, appropriation becomes a strategy of emancipation. Textile techniques such as embroidery and knitting as well as conceptual methods, photography, and various printing processes have been central to Reichek’s practice since the 1970s. Not by accident, what holds her work together on the formal and conceptual levels is the thread—in the figurative as well as literal sense: unspooling Ariadne’s thread lets her unfold the story of the labyrinth, while the fine thread used in embroidery interweaves images and selected passages of text in scintillating visual compositions. Like a pixel, the stitch is the basic building block of visual transmission in Reichek’s work: a pixelated image resembles an embroidery chart, just as the stitches in a hand-sewn embroidery point back to a JPEG trawled from the Internet or scanned from a printed source. Although digital technology has sped up and expanded the possibilities for research, translation and production, Reichek’s works remain material objects, rooted in the history of thread as a medium. Elaine Reichek’s artist´s book is a decorative archival storage box in the design of the Hamilton Urns - one of the earliest examples of American neo-classical wallpaper models-, that unpacks her exhibition both physically and conceptually. Inside are two different kinds of books: A standard book includes all the works in the exhibition and an essay by the artist. Then, four accordion-style leporellos explore the most recent piece, Toutes les filles (2016–17), unfolding to reveal each of its 24 motifs and their art-historical sources.

Die Publikation gibt einen Überblick über Patrizia Bachs langjährige Arbeit zu Walter Benjamins Passagen-Projekt: Ein Konvolut aus über 4000 Zitaten, die Walter Benjamin in seinem Pariser Exil-von 1927 bis zu seinem Tod 1940 - in der Bibliothèque Nationale ansammelte. Seit die Künstlerin 2012 die zugehörigen Manuskripte im Walter Benjamin Archiv, Berlin, sichtete, ließ sie ihre Einzigartigkeit nicht mehr los: Benjamins akribisch ausgeführte Blatteinteilung und die unzähligen farbigen Markierungen schienen eine weitere Bedeutung zu beinhalten, die in der bisher publizierten Ausgabe verloren geht. Ausgehend von einer bildlichen Recherche an dem Material entstand eine Arbeit auf mehreren Ebenen: Bach folgte seinen Spuren nach Paris und übersetzte seine farbigen Markierungen und Querverweise in Form einer Webseite ins Digitale. (zu finden unter www.benjamin-passagen.de) Schließlich erarbeitete die Künstlerin eine Serie von über 150 Zeichnungen, die Walter Benjamins Arbeitsweise aufgreift: Alle Zeichnungen sind miteinander verbunden. Gerade bei der Beschäftigung mit einem Werk, das so sehr dem Medium Buch und seiner Linearität entgegensteht, stellt sich die Frage, wie (und ob) eine solche wieder in Buchform zu bringen ist. Darauf antwortet Patrizia Bach mit einem Buch, das zum Blättern einlädt. Die Reihenfolge der abgebildeten Zeichnungen folgt der von Benjamins Konvoluten -gleichzeitig stehen ihnen aber all ihre möglichen Verbindungen gegenüber: Von einer Zeichnung blättert man zur beliebig nächsten, von dort wird man zu dem dazugehörigen Text geleitet, vom Text zu einer farbigen Markierung, von einer Markierung zu einer der dazu entstandenen Zeichnungen, so möglicherweise zu einem Ort in Paris und von einem Ort in Paris zu dem beiliegenden Walter-Benjamin-Paris-Stadtplan. Paris erkundete Bach dabei systematisch. In der Recherche nach Motiven für ihre Zeichnungen suchte sie all die Orte auf, die in Benjamins Zitaten vorkommen. Die Stadt so zu erkunden, ist eine Besonderheit: Drei Zeitschichten verbinden sich darin. Das heutige Paris überlagert sich mit Benjamins Zeit und der Epoche, die in den zitierten Textstellen erwähnt wird: Das Paris des 19. Jahrhunderts. Benjamin las Städte: In Passagen, Einbahnstraßen, Hinterhöfen, Straßenecken oder Schaufenstern fand er die Schichten der Geschichte auf - mit dem vorliegenden Stadtplan kann man dieser Spurenlese folgen und sich nun erstmals einen Weg durch das vielschichtige Paris von Benjamins Passagen bahnen. Patrizia Bach: "Arcades-Work" Drawings on Walter Benjamin And "Paris-City-Map" On Walter Benjamin’s "Arcades-Project" The publication brings together an overview of Patrizia Bach’s longstanding engagement with Walter Benjamin’s Arcades Project: a bundle of notes spanning 4000 pages that Benjamin collected together during his years in exile in Paris, constructed in Bibliothèque nationale, between 1927 until his death in 1940. Ever since the artist set eyes on the manuscripts in the Walter Benjamin Archive in Berlin for the first time in 2012, she could not relinquish herself from their unique qualities. The meticulously executed pages and their countless coloured markings appeared to contain meanings otherwise lost in the subsequent editions of the published work. Emanating from a graphic interaction with the work, a number of projects emerged: Patrizia Bach followed in Benjamin’s footsteps to Paris and translated his colored symbols into an online digital format (see: www.benjamin-passagen.de); She also built up a series of over 150 drawings that take up Benjamin’s methodologies: each of the drawings connect together. When dealing with such a work that resists the medium of a book and its linearity – the question arises as to how (and if) such a work should be wrenched back into the form of a book. The artist answers this with an invitation to browse. The order of the drawings follows Benjamin’s convolutes – but, at the same time, they can be approached through all their possible connections: from one drawing to the next, from there to associated text, from there through the colored markings, from there to a corresponding drawing, and from a site in Paris and to the enclosed Walter-Benjamin- City-Map.

How can we imagine the order of prime numbers other than in the familiar linear form of the series? By endowing it with a spatial aspect, a third dimension, for example, so that a prime space emerges. Which (new) cognitive possibilities open up when the perception of negative and positive spaces, of internal and external demarcations, is inverted? These and similar questions preoccupy Rudolf Polanszky, as do fundamental themes in mathematics and epistemology or ancient Greek schools of thought. In his sculptures, pictorial reliefs, writings, and actions, he lends them a provisional manifestation that conveys a positively poetic lightness. Polanszky’s preferred materials include acrylic glass, metal, mirror foil, synthetic resin, wire, and plastic foam. Working with these staples, he sets them free by disassociating them from their original purposes or intended uses. Superimposing and layering strata, interleaving, nesting, or folding elements, he creates new structures. The artist’s term for this nonlinear and spontaneous procedure of piecing together existing materials and accidental forms is “ad-hoc synthesis.” The resulting “trans-linear” or “trans-aggregate” structures, Polanszky says, are “an unstable construct of a subjective reality that points beyond a seemingly stable condition.” “My work is an attempt to reorder correlations to patterns of imagination, to change them, and to rearrange the structures of my thinking. […] In the play of perception and experience, it seems we are compelled to decode the external image we are offered in a rational manner, and we draw on mnemonic material, available patterns of similarity, which we mold until an apparently congruent model of reference ensues. The convention on the interpretation of experience is organized and pre-formed, on the one hand, empirically via the senses and, on the other hand, by rational, deductive structures of the cognitive system. In my work, I aim to modify the basic material by distorting and exaggerating precisely these mental patterns of imagination […].” His artist’s book contains selected writings in the form of facsimiles of his handwritten notes complete with transcriptions.

Der Katalog erscheint anlässlich der Ausstellungen in den Kunstvereinen Nordhorn, Göppingen und Oldenburg. Er umfasst die die Arbeiten des Künstlers von 2014 bis 2017. Herausgeber: Städtische Galerie Nordhorn, Kunstverein Göppingen, Oldenburger Kunstvereine, Mit Texten von Gertrude Wagenfeld-Pleister, Dr. Thomas Niemeyer, Veronika Adam und Nasan Tur.