Praktische Anleitung für das Singen im Gottesdienst. Das gottesdienstliche Singen der Gemeinde ist für die Kirchenmusik von großer Bedeutung. Ziel der folgenden Sing-Ideen ist es, den atmosphärisch-emotionalen Klangraum des Sonntages erklingen zu lassen. Dafür werden die Texte, das Kirchenjahr, das Lied, Atmosphären und teilweise räumliche Aspekte einbezogen. Das Buch richtet sich an Singleitende in Kirchgemeinden und schlägt vor, alte Lieder in neuer Form zu singen. Einbezogen werden Ostinati, Rhythmen, Bewegungen und performative Elemente.

Welche Notenschlüssel gibt es? Wie werden die Töne auf der Trompete erzeugt? Was versteht man unter Zwölftontechnik? "Musikwissen – leicht erklärt" bietet für den Musikunterricht in der Sekundarstufe I einen umfassenden Überblick über Musiktheorie, Musikgeschichte und Instrumente. Alles wird in kleinen Schritten erklärt und mit vielen Praxisbeispielen veranschaulicht. Vielfältige inhaltliche und methodische Schwerpunktsetzungen sind möglich und geben dem Unterrichtenden große Freiheit in der persönlichen Unterrichtsplanung.

Der ERSTE ABSCHNITT (Feuilleton) der Abhandlung lenkt den Blick auf die Rolle von großen Orchesterinstitutionen im Kulturleben moderner Gesellschaften. Das Berufsbild von Instrumentalisten und Dirigenten wird beleuchtet, ebenso ihr professionelles Milieu im Allgemeinen. Darüber hinaus wird darüber spekuliert, aus welchen Wahrnehmungsfacetten sich das Kunsterlebnis empfindsamer Beobachter und Hörer von Konzerten bzw. musikalischen Videoproduktionen zusammensetzen kann. Der ZWEITE ABSCHNITT (Praktischer Teil) entwickelt sich an der Frage, wie ein Dirigent agieren sollte, um in Orchesterproben effizient musikalisches Repertoire zu erarbeiten und in Konzerten würdig und ›nach allen Regeln der Kunst‹ aufzuführen. Knapp hundert erlebte Situationen aus dem Orchesteralltag werden erzählt und kommentiert. Die Darstellung vollzieht sich aus der Sicht eines Orchestermusikers, - eine ungewöhnliche Perspektive, da die meisten verfügbaren Essays und Unterrichtswerke über das Dirigentenhandwerk aus der Feder von Dirigenten stammen. Zu den musikalisch-technischen Parametern werden zusätzlich noch die Erfahrungen des Autors mit der Alexandertechnik eingearbeitet. Die Alexandertechnik widmet sich nach einer möglichen Kurzdefinition der Verfeinerung der geistigen Kontrolle über motorische Funktionen in körperbetonten Lern-, Arbeits- und Kommunikationsprozessen. Eine allgemeine Einführung in die Alexandertechnik und eine konkrete Anleitung zur Beiziehung des »elektronischen Alexandertechnik-Coachs zum Selberbasteln« zur Überoutine von Musikern bilden einen Unterabschnitt dieses praktischen Teils. Neben den Aspekten der rein künstlerischen Tätigkeit werden der Vollständigkeit halber auch noch ein paar Aspekte der institutionellen Führungsverantwortung des Dirigenten abgehandelt. Der DRITTE ABSCHNITT fasst die Schlussfolgerungen des zweiten nochmal handbuchmäßig in 155 »Empfehlungen aus dem Tutti für die Ausübung des Dirigentenberufs« zusammen.

Erwin Koch-Raphael interessiert sich beim Komponieren für Grenzräume zwischen Chaos und Ordnung. Dort seien neue Erfahrungen möglich, meint der 1949 geborene, in Bremen lebende Komponist. Denn auf solche Erfahrungen kommt es ihm an, und das nicht nur in der Musik. Koch-Raphael beschäftigt sich auch mit Literatur, Religion, Physik, Philosophie und Grenzwissenschaften. Sein Gedankenkosmos richtet sich darauf, die Welt zu verstehen, und das Komponieren ist seine Methode, davon zu erzählen. Seine Musik strahlt Intensität und Dichte aus und hat sich nie irgendwelchen Stilen angepasst. Unbeirrt verfolgt Koch-Raphael seinen Lebensweg. Dieser Weg führt vor Augen, was Musik und Komponieren bedeuten kann und wie dabei Biografisches, Künstlerisches und das tägliche Leben miteinander verschmelzen.

This is the first ever biography of (Edward) Swan Hennessy (1866–1929), an Irish-American composer who came to live in Paris from around 1903. Born in Rockford, Illinois, he grew up in Chicago, studied at the conservatory of music in Stuttgart, Germany, lived in various places across Europe, finally settling in the most vibrant musical metropolis of the time. Here he became influenced by the French Impressionists and tried to adapt his work to his musical environment as best as he could – or, perhaps, insofar as this was allowable. From 1912 – and especially after World War I – he realised his true mission: as a member of a group of Celticist Breton composers, he built upon his Irish heritage and henceforth wrote in a uniquely ‘Celtic’ style, fusing characteristics of Irish traditional music with the art music of his time.

Jedes Kind ist von Anfang seines Lebens an neugierig und will lernen, um sich die Welt zu erschließen, um darin zu leben – das betrifft auch die Musikkultur. Dieser Prozess muss von uns Erwachsenen verstanden und behutsam mit Anregungen begleitet werden. In 17 Essays reflektiert Karl-Jürgen Kemmelmeyer Voraussetzungen, Inhalts- und Reflexionsfelder, die einen kulturerschließenden Musikunterricht in der Schule konstituieren, der „über die Mauern der Schule hinaus“ wirken will. Jeder Essay setzt einen offenen Musikbegriff voraus und bietet konkrete Anregungen für den Musikunterricht. Zahlreiche Grafiken zeigen didaktische Zusammenhänge auf. Die Essays möchten • Anregungen zur Evaluation des eigenen Unterrichts geben und zum besseren Verstehen der Nöte der Schülerinnen und Schüler beitragen, • Möglichkeiten aufzeigen, den Musikunterricht ergonomischer, angenehmer für alle und effektiver in Bezug auf die Erschließung der Musikkultur zu gestalten, und • Bereiche der Musikkultur in ihren systemischen Zusammenhängen für den Unterricht erschließen. In der Methodik verbergen sich unter anderem grundlegende Erkenntnisse aus langjähriger sonderpädagogischer und musikpädagogischer Forschung und Praxis, die hier anwendungsbezogen präsentiert werden.

Die letzten Kompositionen György Ligetis († 2006) finden bislang weder in der musikwissenschaftlichen Forschung noch in der internationalen Aufführungspraxis nennenswerte Beachtung. Kann dies an den zuweilen außergewöhnlichen Spielanforderungen an Aufführende und der vielerorts ins Fragmentarische tendierenden Kürze von Kompositionen und Werkabschnitten liegen oder löst die gegenüber früheren Werken intensivierte, unverschleierte Retrospektivität seiner Musik gar ein gewisses Unbehagen aus? Sicher ist, dass das Hamburgische Konzert (1998–2002), der Liederzyklus Síppal, dobbal, nádyhegedüvel (2000) und nicht zuletzt der dritte Band der Études pour piano (1995–2001) bewusst offen gelegte wie faszinierende Verschränkungen musikhistorisch etablierter Satz- und Klangtechniken zeigen. Die Tradition von Personalstil und Werkästhetik bilden für Ligeti dabei bis zuletzt ein stabiles Fundament, welches auch dort noch beobachtbar ist, wo dessen Musik zu formaler Zersplitterung und komplexer Mikrotonalität neigt.

The Jazzomat Research Project takes up the challenge of jazz research in the age of digitalisation. It intends to open up a new field of analytical exploration by providing computational tools as well as a comprehensive corpus of improvisations with MeloSpyGUI and the Weimar Jazz Database. This volume presents the main concepts and approaches of the ongoing project including several case studies that demonstrate how these approaches can be included in jazz analysis in various ways.

Das vorliegende Buch nimmt seinen Ausgang vom Gegensatz zwischen Etablierten und Außenseitern in der Wissenschaft. Es porträtiert mehrere prominente Komponisten, Dirigenten und Wissenschaftler und versucht, das Wesen des Phänomens Musik von verschiedenen Aspekten her zu beleuchten. Im Mittelpunkt stehen kulturgeschichtliche, biografische, psychologische, philosophische, kritische, ästhetische und axiologische Fragen.

Wie haben im 19. Jahrhundert Konzertbesucher das flüchtige Ereignis der musikalischen Aufführung begriffen? Die Vielfalt der benutzten Termini – unter anderem ›Aufführung‹, ›Ausführung‹, ›Exekution‹, ›Vortrag‹, ›Wiedergabe‹, ›Reproduktion‹, ›Interpretation‹ – zeugt von dem Streben, das Phänomen des Musikmachens je nach Aufführungskontext und Klangergebnis differenziert zu beschreiben. In den drei zeitlich wie örtlich fokussierten Situationen des Konzertlebens Berlin um 1830, Wien um 1870 und München um 1910 werden die Begriffe aufgrund eines umfangreichen Quellenkorpus rekonstruiert, das nicht nur Vortragslehren und Enzyklopädien, sondern vor allem Konzertberichte in Musikzeitschriften und Tageszeitungen berücksichtigt. Dabei wird deutlich, dass die Begriffe der musikalischen Aufführung in ihrer Bedeutung nicht endgültig festgelegt sind: Als lebendige Werkzeuge der Kommunikation können sie im Zuge der aufführungsästhetischen Wandlungen stets neu definiert werden.